DEATH PROOF
de Quentin Tarantino

Death Proof es la nueva película de Quentin Tarantino perteneciente al proyecto Grindhouse que forjó junto a su amigo Robert Rodríguez para homenajear a las sesiones dobles de películas de serie B de bajo presupuesto.

Como el trailer americano bien nos anunciaba, Death Proof llega a nuestras pantallas a 300 kilómetros por hora en 110 magistrales minutos (en su versión extendida que nos llega a España) en los que bajo una idea tan simple como la de "un asesino que va matando a chicas con su coche", se esconde una película tan compleja y llena de guiños que un análisis exhaustivo de la película nos llevaría páginas y páginas. Tarantino ha pasado de homenajear a sus más admirados, a, además, homernajearse a si mismo, siendo a día de hoy, la película más tarantiniana de toda su carrera. Decenas son las referencias y guiños a su propio universo, podemos ver montones de pies desnudos, carteles y camisetas con referencias a otras películas, los cigarrillos red apple, el coche amarillo del segundo grupo de chicas con el logo del Pussy Wagon, incluso se ríe de sí mismo culpándose por haber puesto tanto de moda el tema de Bernard Herrmann, Twisted Nerve, (la cancion del silbido de Kill Bill vol.1) hasta el punto en el que suena en el tono del movil a una de las chicas protagonistas.

Stuntman Mike, el villano de la película, es un psicópata, doble especialista de cine retirado, que se dedica a perseguir y asesinar a mozas de muy buen ver en su siniestro Dodge hábilmente adornado con una calavera pintada en el capó. Un coche que, como dice el título de la película, es a prueba de muerte (Death Proof), aunque para beneficiarse de sus características hay que estar sentado en el asiento del conductor. Este papel en principio fue inicialmente escrito para ser interptetado por Mickey Rourke, quien aparente lo rechazó, para finalmente pasar a a ser magistralmente interpretado por el olvidadoKurt Russell, el heroe por excelencia de las películas de los años 80 descubierto y puesto de moda por John Carpenter en míticos filmes como La cosa o1997: Rescate en Nueva York.

Bajo un argumento tan simple como el expuesto, los picos de acción compuestos por dos impresionantes persecuciones no son más que un descanso entre las decenas de los densos e interminables (para bien) diálogos al más puro estilo Tarantino que se suceden entre los dos grupos de chicas de la película. Grupos de mujeres a las que no estamos acostumbrados a ver en las películas de hoy en día. Guapas, sexys, explosivas, rudas, hablan de sexo sin tapujos y amantes de la cerveza son las ocho protagonistas que tienen numerosas conversaciones bien alejadas de los estereotipos del cine actual llenas de, como siempre, mucha labia, numerosos tacos y sendas referencias a la cultura popular.

Aún con todo, es una película difícil. El espectador debe asimilar, antes de sentarse, que va a pasar unos excelentes 110 minutos llenos de fallos de raccord, bobinas en mal estado, defectos de celuloide, incluso tres calidades distintas de proyección a lo largo del film, haciendo que durante la primera hora, la bobina está en muy mal estado, llena de fallos y manchas, para dar luego paso a una errónea bobina en blanco y negro y, finalmente, la explosión de color sin defecto alguno del celuloide en technicolor. Todo ello hecho intencionadamente por el director con el objeto de emular las proyecciones frankenstein de mala calidad donde se mostraba este tipo de películas.

Poco más puedo decir sin revelar algo del argumento, más que puede que sea una de las películas más redondas de QT y una de las mejores experiencias en el cine que he tenido en ete año. No os la perdáis el próximo 31 de agosto, conociendo un poco a lo que os váis a enfrentar... ¡se disfruta el triple!

Víctor Alonso

Etiquetas: cine, cronicas

Ingmar Bergman
14 de julio de 1918 - 30 de julio de 2007

El cineasta sueco Ingmar Bergman ha fallecido a la edad de 89 años en su casa de la isla de Faarö, según ha anunciado su hermana, Eva Bergman. Bergman deja tras de sí una larga carrera cinematográfica, compuesta por más de 40 películas marcadas por el sentido trágico y la profundización de la complejidad de los hombres y las mujeres.

Etiquetas: actualidad, cine

Chick Corea y Gary Burton:
"The return of the Cristal Silence duets"

Viernes 20 de Julio
Auditorio Centro Cultural Miguel Delibes

Sin duda uno de los mejores conciertos que la ciudad haya podido acoger en todo este perído estival de festivales fue el del pasado Viernes 20 de julio en el nuevo auditorio. Puntuales como un reloj, Corea y Burton salieron al impecable y reluciente escenario recibidos por un caluroso aplauso de un público que llenaba el 70% de la sala, que, de haberse llegado a un acuerdo entre el auditorio y la universidad para no hacer coincidir sus respectivos conciertos, ambos hubieran salido beneficiados habiéndose llenado probablememte.

El genial dúo celebraba el 35 aniversario del disco donde se reunieron por primera vez y nos deleitó con un emblemático y minimalista concierto apto para un público no excesivamente experimentado, en el que interpretaron implecablemente temas del disco en cuestión como "Señor Mouse" y "What Game Shall we Play Today" liderados en todo momento por un magistral Gary Burton al vibráfono que, en la mayoría de las ocaciones, tocó a cuatro mazos los numerosos solos con una increíble potencia y precisión haciendo que el público rompiera en sendos aplausos tras la finalización de cada uno de ellos. Corea, algo más comedido esta vez comparado a lo que nos suele tener acostumbradosúltimamente, dejó en casa los sintetizadores y volvió al piano acústico, acompañando correctamente en todo momento a su compañero y amenizando al público contando historietas entre tema y tema:

"Gary o yo nos conocimos en un festival de jazz donde el manager ofreció a todos los grupos hacer una jam session... pero los únicos que nos ofrecimos fuimos Gary y yo, y así fue nuestra primera colaboración"

Un precioso homenaje a Bud Powel dió paso al descanso tras el cual, el dúo regresó para un segundo pase más calmado, del que destacó un triple precioso tributo compuesto en primer lugar por el genial "Waltz for Debbie" de Bill Evans, seguido de dos temas decidados a un pianista ruso dando el toque clasico de la noche, para acabar con el famoso tema Sweet And Lovely, de Thelonious Monk. El más minimalista y calmadotema de la noche fue el que da título al disco, Crisytal Silence, siendo el útimo que pudo escuchar este cronista antes de salir corriendo del auditorio rumbo al museo de la ciencia para presenciar parte del concierto de Jerry Gonzalez... De nuevo, una pena la descoordinación, tres grandes grupos se juntaron el mismo día casi a la misma hora en valladolid... Espero que el año que viene se organicen mejor... pues la decisión a la hora de elegir va más allá de "me quedo con la rubia o la morena"

Víctor Alonso

Etiquetas: cronicas, jazz

Sábado 28 de Julio de 2007

Patio de la Hospedería de San Benito -Valladolid-

Cinco eran los asientos libres que quedaban ayer por la noche en el patio de la hospedería de San benito. Con un aforo que podríamos calificar del 100%, la cantante de Tel-Aviv visitó la ciudad de Valladolid acompañada de un muy buen trío compuesto por Gil Dor (guitarra), Yaaki Levy (batería), y Yorai Oron (bajo), deleitando al público vallsilotano con unos excelentes 90 minutos constituyendo el que probablemente haya sido el mejor concierto de San Benito esta temportada. Cabe destacar la increíble calidad de todos los músicos, haciendo incapié a las numerosas, arriesgadas y bellísimas improvisaciones que hicieron mágica la calurosa noche del sábado en valladolid.

Tras abrir el conciero con "There will be another you" acompañada por un excelente Gil Dor que nos recordaba al estilo de Django Reinhardt, Noa saludó y dio la bienvenida a los asistentes en un improvisado tema parte en inglés y en castellano para pasar a contarnos cómo fue su primer contacto con el jazz en su amada ciudad de Nueva York. Preciosos standars interpretados por la guapísima cantante se sucedieron en la noche mientras poco a poco enamoraba al público con su preciosa sonrisa y divertidos movimientos que por momentos nos recordaban a Liza Minelly en sus buenos tiempos.

El cambio de registro se produjo más o menos a la mitad cuando le tocó el turno al tema compuesto por ella y Gil Dor, "Mishaela", que, con una bellísima introducción del guitarra dejó paso a Noa para crear un ambiente cercanoa la psicodelia como puente al emotivo tema. Tras ello, el mejor tema de la noche, "Calling Home", dedicado al guitarrista de jazz Pat Metheny, donde Noa comenzó emulando un solo de harmónica con su propia voz, tras el cual, se unió el resto del grupo quellevó el rítmo magistralmente como si de una locomotora se tratase creando con todo ello el tema más emotivo de la noche y por el cuál se llevó el mayor aplauso de todos. Tras el éxtasis del tema anterior, el grupo se relajó en el siguiente tema, donde dejaron prácticamente todo el protagonismo a la cantante que nos demostró sus amplias cualidades vocales haciendo un perfecto uso del scat batiéndose incluso en duelo con el guitarrista y batería ganando en todos ellos con elegancia. Como colofón final, una versión a ritmo de funk interpretada a modo de hip hop del famoso "Anything goes".

Tras una primera despedida, el entregado público no dejó de aplaudir durante casi 3minutos pidiéndo una y otra vez el regreso del grupo. Efectivamente regresaron emocionados para deleitarnos con un bis de hasta 4 temas más, compuesto por una emotivia versión del standar de jazz, My Funny Valentine, seguido de dos temas propios en castellano para acabar con un tema al estilo bebop, de nuevo, con una adorable, risueña y encantadora Noa que esperamos nos vuelva a visitar.

Víctor Alonso

Etiquetas: cronicas, jazz

Etiquetas: varios

A sus 80 años, Donna, quien decía que "no creía volver a tener fuerzas para subirse a un escenario", visitó la ciudad de Valladolid (17 años después de su última actuación) en un concierto soso, pobre, y excesivamente fácil.

Es cierto que cuando vas a un concierto compuesto por standars de jazz, sabes a lo que te enfrentas y, en principio la cosa siempre pinta bien, pues quien más o quien menos nos sabemos de oídas canciones como "The Lady is a tramp", "Cheek to Cheek", etc. pero la desilusión llega cuando, acompañada por un sosísimo cuarteto compuesto por Román Filiú al saxo alto, Yelsy Heredia al contrabajo y Noah Shaye a la batería, dirigidos por el "maestro" Horacio Icasto al piano, los temas sonaban planos, presentando apenas variaciones con respecto a los originales. Los (escasísimos) solos del grupo eran más bien pobres, sobre todo los del saxo (pésimos y sin fuerza), descoordinandose e incluso cortándose entre ellos a la mitad. Tampoco les hizo un favor la localización, pues la acústica del de patio San Benito es más bien mala.

Lo mejor, sin duda, fue la voz de Donna que, aunque ya mayor sigue teniendo una gran fuerza y coloreó todos los temas amenizando al público entre tema y tema con inentendibles palabras que, aunque se agradece el esfuerzo, podría haber entonado en su idioma natal y nos hubiéramos enterado más de las bromas y anécdotas que nos contaba.

"Willow wait for me", "Like Someone in love", incluso el blues "Please send me someone to love" con arreglos de su amigo Pedri Iturralde siguieron sonando en la noche, aunque de entre todos los standars de la noche destacaría una movida versión al más puro estilo iglesia baptista del famoso tema gospel "Amazing Grace" con el que consiguió que el tímido público se uniera con palmas a este excelente tema gospel recibiendo con ello el aplauso más clamoroso de la noche, tras el que volvió para cantar a capella, un tema de su amiga argentina Diana María Linkletter, "Para ti".

En definitiva, un concierto correcto, pero poco más...

Etiquetas: cronicas, jazz

Es una especie de música celta del futuro, con un toque japonés. Después de nuestro trabajo en la película era una pena que esta música celta del futuro, inspirada en Irlanda, Escocia, Bretaña y Galicia, con un toque japonés e incluso toques de flamenco, se quedara en eso y la productora decidió grabar el disco

Tanto Miyazaki como el director musical del filme, Tamiya Terashima, admitieron además que la colaboración de Carlos Núñez mejoró sustancialmente la banda sonora de la película:

Empezamos el proyecto con un artista japonés pero necesitábamos un músico que supiese tocar una serie de instrumentos, fuimos a ver a Carlos que en ese momento estaba en Japón, accedió a ayudarnos y vimos que con él todo sonaba distinto"

Una vez concluida la banda sonora, Terashima, el director musical, decidió viajar a Galicia para grabar 'Melodies from Gedo Senki' en el estudio de Carlos Núñez,.

El artista vigués, un asiduo de Japón desde hace más de diez años, realizó una gira de nueve conciertos por el país, dentro del llamado 'Image Tour' que concluyó el pasado 9 de mayo con la interpretación de 'Memories from Gedo Senki' en Tokio, una cita para la que el artista gallego contó con la participación de Terashima y otros conocidos músicos nipones, como la cantante y pianista Akiko Yano.

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Universijazz07: Crónicas completas

Etiquetas: cronicas, jazz

En ella, cada elemento –reconocible por su símbolo, su URL y su “número atómico” o puesto en el ranking de Google– está ordenado en columnas según su clasificación dentro de la tabla.

Ya que es obvio que está pensada por mentes anglosajonas, no estaría mal hacer una más acorde con latitudes más meridionales, incluyendo por supuesto el presente blog en su columna correspondiente. Ahí queda dicho para el que se anime.

Otro diagrama interesante, más complejo, es este mapa de tendencias de Internet, adaptación del plano de metro de Tokyo a sitios de Internet, sacado de www.informationarchitects.jp.

Lo mejor de ambas tablas es que pinchando en ellas se puede acceder a todos los sitios que aparecen.

Y ya que estamos con planos de metro, un vistazo al nuevo diseño del de Madrid:

A primera vista resulta mucho más elegante que el anterior, sin una sola línea en diagonal, y todos los ángulos rectos. El anterior es éste:

El nuevo plano ha sido creado por el estudio del diseñador Rafael Sañudo, que barajó otras posibilidades como ésta que traemos, hecha únicamente con líneas curvas.

Etiquetas: informatica, varios

Uno de los mejores conciertos del Universijazz07 fue el del segundo día, con la doble actuación del WORLD SAXOPHONE QUARTET. Liderados por el cuarteto de saxofones, David Murray - saxo tenor, Tony Kofi - saxos alto y soprano, Oliver Lake - saxo alto y Hamiet Bluiett - saxo barítono, acompañados por Jamaaladeen Tacuma - bajo eléctrico, Herve Samb - guitarra y Lee Pearson - batería, este septeto nos deleitó con un concierto doble cuya primera parte consistía en un tributo al mítico guitarrista JIMI HENDRIX. Un cóctel que fue algo difícil de digerir por momentos, pero no por ello carente de calidad. Conocidos temas de Hendrix sonaron, Freedom, 1983, Machine Gun, Little Wing, If six was nine... en una primera parte en la que los solos de Herve Samb a la guitarra eléctrica emulando a Hendrix acompañado de la constante sección rítmica fueron el principal atractivo:

Etiquetas: cronicas, jazz

Mucho estuve dudando entre por cuál de los conciertos me decantaría... pero finalmente di con una pequeña solución, ir al auditorio a presenciar un 75% del concierto, y luego correr como el viento hasta el museo de la ciencia para pillar, al menos, el concierto de Jerry... y así lo hice... mereció la pena... ¡vaya si mereció! Jerry vino mejor que nunca en el formato que más me gsuta, un quinteto formado por jóvenes músicoss, Javier Massó “Caramelo” al piano, Arnaldo Lescay a la batería y Reinier Elizarte contrabajo, liderados por un carismático Jerry González a la trompeta y las congas.

LLeno de latin, mambo y mucho swing, Jerry clausuró el festival consiguiendo lo que nunca antes ningún grupo consiguió entre el frío público vallisoletano, un increíble aplauso final con la aclamación de hasta dos bisses que grátamente tocó junto a su banda. A destacar, aparte de la increíble labor de Jerry a la trompeta y las congas, el increíble trabajo del pianista, admirador de Michel Camilo por la forma de tocar (aporrear) el piano con una increíble precisión y deleitarnos con impresionantes solos que se llevaron los más grandes aplausos de la noche. Al acabar el concierto, Jerry bajó del escenario para hablar con los pocos que continuñabamos levantados aplaudiendo como muestra de agradecimiento, preguntándonos qué tal sonaba y qué nos había parecido, pues al parecer habían tenido algunos problemas técnicos.

En definitiva, segunda vez que veo a Jerry, y cada día me gusta más. Un concierto fácil de seguir, con mucho rítmo y que gustó mucho.
Aquí os dejo un vídeo con un fragmento de uno de los temas que sonaron en la fria noche del Viernes 20 en el museo de la ciencia:

Etiquetas: cronicas, jazz

Pues sí señores, como prometí, el 1 de Agosto todos tendréis vuestra copia de AMMIT en vuestras colecciones de DVDs. Aquí os dejamos el contenido final de la edición especial de dos discos, y las tres portadas distintas que tendrá la tirada inicial de 50 unidades.

Agradecimientos especialmente a Fer, Rafalet y Jose, los responsables de cada uno de los posters respectivamente, y a Deiv por el curro que se ha marcado con las carátulas de los DVDs y la recopilación de los extras.

Etiquetas: cine

Aurum nos han invitado este miércoles al pase para la prensa de DEATH PROOF, la nueva película de Quentin Tarantino perteneciente al proyecto GRINDHOUSE. Por ello, durante esta semana se harán una serie de artículos de interés sobre su director, para acabar con una (espero) extensa crónica y crítica de su última película. Para los que estén algo desconectados del mundo del cine, aquí van algunas nociones básicas sobre temas relacionados con la película:

¿Qué es una Grindhouse?

Las "Grindhouse" eran sesiones de cine en las que se proyectaban películas casi sin presupuesto, de baja calidad, generalmente de serie B o Z, repletas de contenido violento, erótico, gore, etc. Normalmente, en estas sesiones se proyectaban dos películas, y entre éstas, tráilers de otras películas de terror. Otra de las características de estas sesiones era que, en muchas ocasiones, las copias de las películas llegaban a los cines en un estado lamentable, motivo por el cual los rollos de bobina se acababan perdiendo. De este modo, era normal que en medio de la proyección de alguna de estas películas apareciera el cartelito de "missing reel" (rollo perdido), de forma que la película saltaba a la siguiente escena. Este hecho tan característico también podremos "disfrutarlo" en la "Grindhouse" de Tarantino y Rodriguez, ya que en el fragmento de Rodriguez ("Planet Terror") se ha incluido un "missing reel".
Via orenji-chan

¿Entonces van a venir juntas a España?

No. Aurum luchó por ello, pero las películas finalmente llegarán al resto del mundo divididas, perdiendo ese nexo de unión, y gran parte del atractivo que sería verlas en una sesión de madrugada.
Podéis leer la noticia completa en tarantinospain

¿Y de qué trata el segmento de Tarantio?

"Death Proof", dirigida por Tarantino, gira en torno a un psicópata de la carretera (Kurt Russell), un asesino en serie que va aniquilando a sus víctimas con su coche. Lo protagonizan Kurt Russell, Zoe Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Rose McGowan, Sydney Tamiia Poitier, Marley Shelton, Tracie Thoms y Mary Elizabeth Winstead.

¿Y ha salido ya el trailer?

Aunque aún no se ha proyectado en salas, sí, Aurum liberó el trailer de ambas películas hace menos de un mes. Para los que os lo perdísteis, aquí va el trailer de Death Proof:

Etiquetas: cine

Shine a Light, el film de MARTIN SCORSESE sobre el mítico grupo de rock: THE ROLLING STONES se estrenará en España el próximo día 21 de Septiembre.

Martin Scorsese siguió con su cámara a la banda más legendaria del rock durante su épico tour "A Bigger Band". En ese periodo de tiempo ocurrieron todo tipo de incidentes, anécdotas y momentos estelares para los míticos roqueros y para la música en general. Con parte de las escenas rodadas en el Teatro Beacon de Nueva York durante la fiesta de cumpleaños de Bill Clinton, Scorsese muestra una íntima radiografía de los STONES y del corazón de la industria musical.

Ni que decir tiene que, siendo un documental rodado por uno de los eruditos de la música popular americana, demostrado en la impecable selección de los temas que acompañan las poderosas imágenes de (casi) todos sus films, seguro que el resultado es inmejorable.

Scorsese ya nos brindó un buen concierto-documental en su anterior película musical, El Último Waltz, donde cubrió con mucha elegancia el último concierto del grupo msuical The Band, liderado por Robbie Robertson, contando con un elenco de invitados de lujo. En él se pueden ver las actuaciones de Eric Clapton, Neil Young, Neil Diamond, Muddy Waters y Bob Dylan entre muchos otros. Os dejo con uno de mis temas favoritos de The Band rodado por Scorsese:

Etiquetas: cine, musica

Ni todos los superhéroes en pijamas, ni todos los samuráis sedientos de venganza, ni si quiera todas las cachondas que me he encontrado en diversos cómics eróticos, han podido crear en mi la misma expectación que ha creado esta serie. Es increíble como una serie en blanco y negro, y con un tema tan aparentemente trillado como es el de los zombis, ha podido crear en mi una dependencia tal que hace que me acerque a la tienda de rigor balanceándome como un zombi "comecerebros" cada vez que sale un nuevo tomo.

Pero vamos por partes, que me acelero. ¿Qué es Los Muertos Vivientes? Es, sencilla y llanamente, una serie de cómics que trata sobre un mundo en el que los zombis andan por las calles tan felices. La historia comienza cuando el protagonista, Rick Grames, el mítico policía de un pueblecito estadounidense se despierta del coma y se encuentra con que los muertos andan por las calles de la ciudad. Después, como no podía ser de otro modo, la historia continua con un Rick y otro grupo de supervivientes intentando sobrevivir a la catástrofe que los asola.

Hasta ahora no hay nada nuevo que no nos haya contado George A. Romero en ninguna de sus películas. La gracia está en como es contada la historia, que no sería la misma si no estuvieran Robert Kirkman al guión, Tony Moore a los lápices del primer tomo (números 1 al 6 USA) y Charlie Adlard, que se encarga de los lápices actualmente junto con los grises de Cliff Rathburn. En palabras del propio autor, su intención no es asustar a la gente con los zombis, su intención es contar como responde la naturaleza humana frente a situaciones extremas como la que se da en la historia. Durante el transcurso de la historia vemos de qué es capaz la gente con tal de sobrevivir. Los protagonistas pasan por toda clase de situaciones límite que los fuerzan de tal modo que se acaba viendo como son realmente. Se empieza fingiendo que todo va a salir bien, que todo se arreglará y se acaba estando casi demente y a punto de matar a todo el que se te ponga por delante, sea zombi o no. Después de todo ¿de qué es capaz la gente cuando le arrebatas la vida de ocio y facilidades que tenía?

Rick Grames por Tony Moore.

Las influencias de los films de George A. Romero son más que notables. Toda la historia se sostiene en el tipo de zombis que sus películas establecieron, y las referencias se suceden como grandes guiños. Sin embargo, Kirkman va más allá y quiere desprenderse de las limitaciones que imponen las películas, como es el tiempo de las mismas o las explicaciones precipitadas que se dan en algunos casos. Teniendo una serie abierta como esta puede desarrollar la vida de sus protagonistas sin casi limitaciones. Muestra el derrumbe de la gente y la sociedad que una catástrofe de estas características puede ocasionar sin profundizar demasiado en el porqué de la situación. Lo que busca es explorar el apartado psicológico de los protagonistas, no las razones de la plaga (por lo menos de momento).

En el apartado gráfico, nos encontramos con un dibujo en blanco y negro que consigue crear un ambiente aún más angustioso si cabe. La serie empieza muy bien de manos de Tony Moore, si bien Charlie Adlard y Cliff Rathburn han conseguido ir mejorando número a número haciéndose ya casi insustituibles.

En resumen, la angustia y el terror psicológico que se vive en cada número es casi abrumadora. Kirkman ha creado un universo tan implacable con unos personajes tan carismáticos de una idea tan común que uno tiene que quitarse el sombrero ante su genialidad, por lo menos.

Para quien le interese, la serie se publica por aquí de manos de Planeta y hasta ahora han salido 5 tomos (el último hace casi nada):

1. Días pasados.
2. Muchos kilómetros a las espaldas.
3. Seguridad tras los barrotes.
4. Lo que más anhelas.
5. La mejor defensa.

¿Y tú qué harías si toda tu vida se convirtiera en una lucha por la supervivencia?

Etiquetas: comics

No, no voy a hacer el mítico post de películas indies de culto de los 90 (por ahora). Leo en el blog de Kevin Smith que hace unos días hicieron una especie de show-exposición en la ciudad de Los Ángeles en la famosa galería Gallery 1988 donde hace unos meses se hizo una interesante exposición artística sobre los videojuegos titulada “I Am 8 Bit.” (click para ver los cuadros, hay algunos buenísimos)
Esta vez el lema de la exposición fueron las películas de culto, con el aliciente de la presencia de Kevin. La expo seguro que fue una pasada, pero como no nos invitaron a ir a cubrirla (dadnos tiempo...) os dejamos aquí el cartel de la exposición y uno de los cuadros que se presentaron. ¿Reconocéis a todos los personajes que aparecen en ellos? Si es así, enhorabuena, ¡eres un buen cinéfilo!

Etiquetas: cine

Hace 3 años, apenas nadie lo conocía... sólo los 4 cinéfilos a los que películas como Reservoir Dogs y Pulp Fiction nos habían marcado 10 años atrás... pero la cosa cambió tras el estreno de Kill Bill. Acompañada de un buen dispositivo de publicidad y marketing, así como de la hábil estrategia de dividir la película en dos volúmenes, todo el mundo la fue a ver al cine y (cree que) conoce a Tarantino. Hace tiempo hablaba con mis amigos de que, junto al Señor de los Anillos y Piratas del Caribe, Kill Bill se había convertido en una de esas películas que prácticamente todo el mundo había visto, eso sí, mencionar cualquiera sus los trabajos anteriores hacía que te miraran con rara rara y de desconocimiento...

Tarantino es un director cuyo estilo es difícil de determinar puesto que ha nacido, bebido y crecido rodeado de todas esas películas a las que contínuamente homenajea en sus films. Él mismo confiesa:

No es cierto que esos años trabajando en un videoclub me convirtieran en un experto en cine. La verdad es que he estado viendo películas desde que era un niño y me contrataron en ese videoclub por que ya era un experto.

Sí señoras y señores, antes de Reservoir Dogs, QT trabajaba en el videoclub Video Archives junto con su amigo Roger Avary, con quien ganaría en 1994 el oscar compartido a mejor guión por Pulp Fiction. Allí, QT chupaba aún más horas visionando películas de todo tipo de géneros, pero entre sus favoritos claramente estaban el Spaghetti Western (en especial las películas de Sergio Leone), el cine asiático de los 80, en especial las películas Hongkonesas de los 80 de John Woo y Chow Yun Fat, así como las películas de Wuxia, el Blacksplotation y como no, la serie B (entre muchos otros).
Movido dentro de ese mundo, es difícil crear un estilo propio, pero en mi opinión, es ahí donde radica el estilo de Tarantino, en la influencia de todos estos géneros, su mezcla pasa a ser un peligroso combinado que, guste o no, nunca queda a nadie indiferente.
El primer acercamiendo de QT al mundo del cine fue a sus 22 años en el año 1987 con su poco conocida película My Best Friend's Birthday. Rodada con la ayuda de su círculo de amigos, en 16mm en blanco y negro, y sin presupuesto alguno, la película trataba del regalo de cumpleaños que Clarence le hacía a su amigo Mickey: una prostituta.
Si conocéis algo más de Tarantino, esta idea os sonará. Efectivamente. se trataba de la incipiente idea del guión que más tarde escribiría, True Romance. Podéis ver lo que queda de ella via tarantinospain. (Aprovecho para recomendaros encarecidamente este blog, el mejor site sobre QT de habla hispana hasta la fecha)

Años después y partiendo de esa idea, QT escribió The Open Road, un guión cuya historia estaba dividida en dos partes: en la primera todo era similar a True Romance, donde la prostituta Alabama acaba siendo el regalo de cumpleaños de Clarence, y estos terminan tan enamorados que se enfrentan a su chulo y se escapan con un maletín lleno de droga. La segunda parte era como Natural Born Killers, donde el film acababa transformándose en una road movie en la que Clarence y Alabama, a causa de todos los violentos sucesos vividos, terminaban por actuar como auténticos asesinos en serie. Desafortunadamente, Tarantino vendió The Open Road por poco dinero sin poder reservarse el derecho de dirigir su propio guión. Años después de que triunfase con Reservoir Dogs, The Open Road dio lugar a dos películas independientes, True Romance, brillantemente dirigida por Tony Scott, quien respetó prácticamente todo el trabajo de Tarantino, y la fallida Natural Born Killers, de Oliver Stone, quien fusiló prácticamente todo el trabajo de Tarantino.

La violencia seduce, hay que asumirlo. Es totalmente gráfica y por eso se utiliza tanto. El cine de violencia y de acción es el cine por excelencia. La cámara se inventó para besar y matar.

Corría el año 1992 cuando el productor Lawrence Bender leyó otro de los guiones de Tarantino, se trataba del guión de Reservoir Dogs. Tarantino, quien aún tenía un nombre la industria cinematográfica pretendía rodar la película con sus amigos y un ridículo presupuesto de 30.000 dólares (supongo que los que ganó al vender The Open Road). El guión llegó a parar nada más y nada menos que a manos de Harvey Keitel, quien decidió co-producirlo, aparte de reservarse un importante papel en la película. Finalmente se llegó a reunir la importante cantidad de 1.2 millones de dólares de presupuesto. El resultado no podría haber sido mejor. Un reparto de lujo formado por Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen, Tim Roth, Chris Penn, Lawrence Tierney y el propio Tarantino.

Algo novedoso fue la forma de abordar de la película. Se trataba de una película de robos, un atraco llevado a cabo por todos estos indivíduos, donde nunca se llega a ver nada del atraco, todo queda a imaginación del espectador acompañado de las contínuas referencias al suceso que hacen los personajes. En Reservoir Dogs ya podemos ver mucho de la estética que se convertiría en el sello del director, la la violencia exagerada mezclada con los los brillantes dialogos de los personajes, habitualmente vinculadosa a la delincuencia, (los zippos), las continuas referencias a la cultura popular, los planos desde dentro de los coches, en especial desde dentro del maletero, así como como también el desorden del montaje y la manera poco convencional de las escenas que repetirá en sus posteriores trabajos.

La película fue aclamada por la crítica y ganó varios premios, catapultando a un joven Tarantino quien demostraría a lo largo de los sucesivos años que no fue sólo un golpe de suerte y que estaba dispuesto a revolucionar el cine de la década de los 90.

Fuentes: tarantinospain, wikipedia, The QT Archives

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Dos niños son criados en Francia como hermanos. Uno es rico y el otro hijo de la nodriza de la familia. La vida les separa bruscamente pero se reencontrarán cuando Azur decida ir en busca del Hada de los Djins. La última película de animación de Michel Ocelot, director de "Kirikú y la bruja", es una fábula sobre la tolerancia.

Etiquetas: cine, valladolid

Se acaba de liberar el programa completo del festival ESTIVAL07 organizado por la UVa que acojerá el Palacio de Santa Cruz del 25 de Julio al 14 de Agosto. Las entradas se pueden conseguir desde el 10 de julio en el Área de Extensión y Cultura (C/ Juan Mambrilla, nº 14. Valladolid) en horario de 10:00 a 14:00 horas o antes de cada actuación en horario de 19:00 a 22:00 horas en la taquilla del Palacio Santa Cruz. Precio: Abono: 24 euros, Entrada: 8 euros.
Miércoles 25 de julio a las 22 h.
Magia: Trío de Ases - Arkadio/Murphy/Fernando Arribas

La magia española está dando mucho que hablar en los festivales de ilusionismo mundiales.
Este espectáculo, “Trío de Ases”, muestra tres de sus baluartes con reconocimiento internacional y con merecido prestigio fuera de nuestras fronteras. Tres distintos estilos de magia para un show realmente mágico.

Miércoles 1 de agosto a las 22 h.
Pitingo - Flamenco

Su voz es una de las más auténticas del panorama nacional, más allá incluso del flamenco con el que tanto se identifica y es su vida. A pesar de su juventud, sabe ser un gran artista tanto sobre el escenario como fuera de este. Pitingo está destinado a ser uno de los artistas de referencia en los próximos años.

Miércoles 8 de agosto a las 22 h.
Capella de Ministrers: Lamento di Tristano

Capella de Ministrers es un grupo creado en 1987 en Valencia por su director, el musicólogo valenciano Carles Magraner (viola de gamba).El grupo se dedica fundamentalmente a la interpretación de la música española anterior a 1800 utilizando criterios de interpretación fidedignos a cada época e instrumentos históricos. Han dado conciertos por toda España y participado en numerosos festivales internacionales, recibiendo premios de la prensa especializada, como Goldberg, CD Compact, Repertoire, Scherzo, etc.

Miércoles 14 de agosto a las 22 h.
Alex O´Dogherty: La Risa

La Risa" es un fragmento del espectáculo: "Y tú, ¿de qué te ríes?".
Pero vamos, es un monólogo que habla sobre la risa: tipos de risa, ¿de qué nos reímos?, ¿como nos reímos? y sobre todo: ¿Porqué no nos reímos más?
El “¿Y tú de que te ríes?” nació de esa misma pregunta que me hice un día, al darme cuenta de que ni yo mismo sabía de que me reía, empecé a pensar que iba a tener problemas para averiguar de qué se reía la gente (aunque por lo general se ríe poco).
Ante esta presión, necesidad o puro morbo que me daba hacer reír, púseme a observar qué cosas hacen reír a la peña, y ahí fue cuando empecé a flipar, porque no todo el mundo se ríe de lo mismo. ¿Cómo conseguir entonces que todo el mundo se riera (o riese) a la vez de una misma cosa? Y ahí fue cuando empecé a agobiarme. Y la gente no se reía.
Entonces decidí contar lo que había observado, y ahí fue cuando la gente empezó a reírse.
Yo seguí sin entender porqué, y aún sigo así, pero ellos se ríen y yo me río.
Esto es un río de risas. A mi me hace feliz y a ellos también.
¿Qué más queremos? RÍANSE

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Carnavals
Suso González guitarra eléctrica y de jazz
Miguel Ángel Recio piano y teclados
Juanjo bajo
Rafael Martín percusiones
Paco Tejero batería

Suso González presenta “Carnavals”, un proyecto instrumental ecléctico, abierto, que combina músicas diferentes, sonoridades contrastantes, sensaciones auditivas de diversa tonalidad y alma, ritmos que se combinan en diversas tesituras, articulados bajo la estética personal del autor. Su formación clásica, unida a su pasión por el jazz, hace que todas esas músicas queden enmarcadas en una visión particular, difícil de definir, resultado de la simbiosis formal de varios estilos. Tras algunos años de búsqueda, el proyecto ha acabado definiéndose como un espacio en el que se combinan varias artes: música, vídeo, poesía y danza, donde los participantes del mismo, músicos, bailarines, video-creadores, aportan sus conocimientos y sensibilidades. El resultado es una serie de creaciones compactas, cuya principal virtud, y la del proyecto, es la creación de armonías con contrastes sorprendentes.

Nacido de la exigencia, por parte de sus lideres, de encontrar una nueva forma de expresión, este cuarteto reúne a cuatro de los más apreciados talentos del panorama jazzístico italiano.
Amato e Ionata proponen un repertorio original con una fuerte influencia del Hardbop, en el que se incluyen la interpretación de standars, como en la mejor tradición. La sección rítmica verdaderamente ejemplar, compuesta por los jovenes Giulian O. Mazzariello al órgano Hammond y Nicola Angelucci a la batería, que responde, en este caso más que nunca, a satisfacer plenamente las exigencias del grupo, sustituyendo la aportación del contrabajo.
Aunque es una formación reciente, el cuarteto está obteniendo elogiosos comentarios por parte del público y de la crítica especializada.

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La Diputación de Palencia ofrece unos conciertos para los meses de julio y agosto en el Patio de la Diputación de Palencia (C/ Burgos, 1 - 34001). Los conciertos empiezan a las 21.00 y la entrada es libre hasta completar el aforo.

Programa de conciertos en Palencia

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World Saxophone quartet
Oliver Lake saxo alto y soprano, voz
Tony Kofi saxo alto
David Murray saxo tenor y clarinete bajo, voz
Hamiet Bluiett saxo barítono
Lee Pearson batería
Jamaaladeen Tacuma bajo eléctrico
Herve Samb guitarra

Originariamente formado por los saxofonistas David Murray, Julius Hemphill, Oliver Lake y Hamiet Bluiett, el World Saxophone Quartet empezó a tocar como una unidad en 1976, inspirados por Ed Jordan, director de música en la New Orleans Southern University. Jordan había escuchado a los cuatro saxofonistas en cada uno de sus respectivos grupos y les contrató para que hicieran un concierto juntos: “Nos gustó y empezamos a tocar juntos en otras universidades”, recuerda David Murray. Aunque tres de los miembros originales, Hemphill, Lake y Bluiett, ya se conocían porque habían vivido en la misma ciudad, St. Louis, no fue hasta este evento cuando decidieron crear un grupo consistente en sólo cuatro saxos. Desde entonces el grupo ha grabado muchos álbumes, entre ellos el aclamado Plays Duke Ellington (1986, Nonesuch), que fue votado como uno de los mejores álbumes de ese año en el New York Times, y que describió al grupo como “la banda más protéica y estimulante del nuevo jazz de los ochenta”, Jon Pareles del Times dijo de WSQ que era “el más original e importante grupo desde que Miles Davis, Ornette Coleman y John Coltrane redefinieron los grupos de improvisación a finales de los años cincuenta”. El WSQ se ha mantenido durante muchos años entre los cinco mejores grupos en las listas anuales de la crítica del Down Beat. En 1990 Hemphill dejó el grupo debido a una enfermedad, murió en 1995, y fue reemplazado por Arthur Blythe, luego James Spaulding, más tarde por Eric Person y actualmente por Tony Kofi.

Hamiet Bluiett (saxo barítono y clarinete alto) es un músico con un excelente dominio de su instrumento en todos los registros. Aparte de fundar el St. Louis Black Artists Group (BAG), ha trabajado con el Gateway Symphony, con Lester y Joseph Bowie, Charles Mingus, Sam Rivers, Babatunde Olatunji, Stevie Wonder y Marvin Gaye.

Oliver Lake (saxos alto y soprano, flauta y sintetizador) creció en St Louis y recibió apoyo profesional del trompetista Lester Bowie. Miembro fundador del St Louis Black Artists Group, se trasladó a Nueva York en 1976 después de dar clases en el American Centre for Artists and Students en París. Lidera su propio grupo de funk-reggae Jump Up, así como un cuarteto de jazz. Oliver Lake es un destacado solista, compositor y líder de bandas desde principios de los años setenta, también ha publicado varios libros de poemas.

David Murray (saxo tenor, clarinete bajo) empezó a dirigir sus propias bandas de rhythm and blues a los doce años, y sin duda en este tipo de música se encuentran sus raíces así como en la música de John Coltrane, Ben Webster y Sonny Rollins. Es probablemente el músico que aparece en más grabaciones de la historia de la música moderna, álbumes que incluyen solos y sesiones con tríos, cuartetos, quintetos, un octeto y una big band. Es ampliamente reconocido como uno de los mejores músicos de jazz vivos. Actualmente vive en París, lo que le permite tocar frecuentemente en Europa aunque también sigue dando conciertos regularmente en Estados Unidos.

Tony Kofi (saxo alto) forma parte desde 1991 de los Jazz Warriors, una banda que todavía existe bajo el nombre de Tomorrows’s Warriors, formada por los jóvenes talentos de la escena jazzística de Gran Bretaña. Desde los años noventa ha tocado con innumerables músicos y bandas de primera fila, entre las que se incluyen Billy Higgins, Branford Marsalis, Queen Latifah, Salt’n’Pepper, US3, The David Murray Big Band, the Grand Union Orchestra y la Sam Rivers Rivbea orchestra, entre otros.

Jamaaladeen Tacuma (bajo), empezó a tocar a los 13 años acompañando al organista Charles Earland, fue después contratado por Ornette Coleman para tocar en su banda Prime Time. En los siguientes años empezó a ser considerado un destacado bajista de vanguardia y protagonista del estilo llamado free funk. Su forma de tocar ha dejado una indeleble huella en las siguientes generaciones de bajistas. Últimamente toca también en bandas de rap y hip-hop.

Hervé Samb (guitarra), guitarrista y compositor nacido en Senegal, empezó a tocar la guitarra a los nueve años, desde siempre se ha interesado por los ritmos de su país de origen y por la música negra americana. En 1998 se instaló en París y rápidamente empezó a integrar varias formaciones, fue el inicio de su carrera internacional: Amadou & Mariam, David Murray, Cheikh Tidiane Seck, por nombrar algunos de los músicos con los que ha colaborado.

Calvin Weston (batería) a los diecisiete años empezó a tocar en la Prime Time Band de Ornette Coleman, con quienes giró ampliamente por Europa y Norteamérica y grabó cuatro álbumes, tocó posteriormente con el guitarrista James “Blood” Ulmer hasta que en 1990 se unió a los Lounge Lizards de John Lurie. A finales de los noventa, Weston grabó y giró con Billy Martin de Medeski, Martin and Wood, con Eyvind Kang, Derek Baily, Marc Ribot y James Carter. También ha tocado en la banda sonora de muchas películas, entre ellas Get Shorty. En su último proyecto, Big Tree, Calvin explora muchas de las influencias musicales de su carrera como líder y compositor.

Political Blues (Justin Time, 2006), el álbum más reciente de WSQ, ocupa el mismo territorio que esos breves momentos de activismo musical que no sólo han participado sino que han afectado de manera crucial las prácticas revolucionarias, como Freedom Now Suite de Max Roach (Candid, 1960) o la primera Liberation Music Orchestra (Impulse!, 1969) de Charlie Haden. WSQ no es una voz discreta, y Political Blues no es una débil reivindicación. Es el intenso, firme espíritu del jazz, una descarga al corazón de los terribles acontecimientos que sacudieron las raíces negras de la música. Political Blues toma la combinación de las fuerzas contra el racismo, el conservadurismo político, la guerra, la depresión y el desastre económico sin precedentes para convertir su sonido vital en algo a la vez amenazante y, en algunos momentos, terriblemente desenfrenado. Las letras de los temas formulan una queja contra la postura adoptada por el gobierno tras el desastre del huracán Katrina, las triquiñuelas durante las elecciones presidenciales, la desastrosa política exterior americana, las adversas relaciones de EEUU frente al desarrollo de los países africanos, el conflicto palestino-israelí, los sin techo, la saturación mediática, etc.

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